Stefano Busonero ed i mass media

THE SMALLEST PAINTINGS IN THE WORLD

Stefano Busonero

They spoke or wrote about him

MAURIZIO COSTANZO in his TV programme said: ‘Believe me, it’s a foolish matter, indeed. I’ve never seen something like that. Let’s realise that it isn’t normal to paint on those surfaces, then, besides … he has a taste for details’.

VITTORIO SGARBI well known critic of art, during a TV programme of his ‘Sgarbi quotidiani’ speaking about the artist said: ‘Believe me, Busonero is a Champion! He’s virtuous to such a point that only Sgarbi’s short-sighted eye could recognise in this pink spot a painting by Renoir and in the eye of this very very small tailoress’needle where ‘no camel wolud pass’, a marine’:

Even RAI UNO (Italian state TV) during some programmes presented the works by Busonero.

The same did RAI DUE during a morning programme named ‘MATTINA IN FAMIGLIA’ in which several very small miniatures were presented apart from a portrait of Oliver Hardy painted inside the hollow of a very small syringe needle on a surface of 0.049 mmq.


MONTECARLO TV NETWORK interviewed him twice during TV Newsreel and in a broadcasting led by Marco Balestri.

GUINNESS BOOK OF RECORDS – Italian Edition 1996 page 186 – Stefano Busonero has painted on the edge of a Telephone card a portrait, the dimension of which are 0.30 x 0.35 millimeters representing Saint Padre Pio (Father Pius), an italian saint monk of our time.

The daily paper L’UNITA’ wrote: ‘Using a powerful microscope and a very steady hand, Busonero paints on canvas smaller than a tenth of square millimetre. He only meets a difficulty: he doesn’t know how to sign his works.

The most sold Rome’s newspaper, THE MESSAGGERO wrote: The Argentario born artist, his fellow-citizens call ‘Findiferro’ (Iron-wire) paints on the needle points microscopic paintings which can only be seen by means of a stereoscope’.

The LA SETTIMANA ENIGMISTICA, a weekly magazine of crosswords, rebus, amusements and culture, inserted a work of his in the survey ‘STRANO MA VERO!’ (Strange but true).

His works have been taken into consideration by journalists in the pages of several national newspapers, among which, LA NAZIONE and IL TIRRENO paid a particular attention to his techniques.


Here they are my microscopical paintings

 Microscopic paintings of Stefano Busonero
S. Pio, size 3,8x4,8 mm
S. Pio, size 3,8×4,8 mm
Manet Bar at the Folies-Bergère 6,8x9,5 mm
Manet Bar at the Folies-Bergère 6,8×9,5 mm
Renoir 6,9x9,4 mm
Renoir The Oarsmens Breakfast  6,9×9,4 mm
 Gauguin 4,5x5,7 mm
Gauguin, Two taitian women 4,5×5,7 mm
Rafhael, Madonna d'Alba9,8 mm
Rafhael, Madonna of Alba 9,8 mm
Van Gogh, Radet Moulin 6 x 7,5 mm
Van Gogh, Radet Moulin 6 x 7,5 mm
Van Gogh, still-life, 2,3 x 3 mm
Van Gogh, still-life, 2,3 x 3 mm
Van Gogh, shoes, 7 x 8 mm
Van Gogh, shoes, 7 x 8 mm
Van Gogh, street with cypress 4,5x6,5
Van Gogh, street with cypress 4,5×6,5 mm
Van Gogh, The Crau, 2 x 2,6 cm
Van Gogh, The Crau,  2 x 2,6 cm
Sea-landscape 0,9x1,9
Sea-landscape 0,9×1,9 mm
Boats 5 x 10,8 mm.
Boats 5 x 10,8 mm.
Boats 4 x 8 mm.
Boats    4 x 8 mm.
Sea-landscape 2,6 x 7,2 mm.
Sea-landscape 2,6 x 7,2 mm.
Van Gogh, the Langlois bridge 7,1x9,3 mm
Van Gogh, the Langlois bridge 7,1×9,3 mm


The smallest paints in the world of Stefano Busonero

Pescherecci in porto, olio su plastica, 6 x 3 millimetri - Fish-boats in harbour, oil, size 6 x 3 millimeters
Fish-boats in harbour, oil, size 6 x 3 millimeters
Fiori, olio su plastica, dimensioni 3,3 x 3,4 millimetri - Flowers, oil, size 3,3 x 3,4 millimeters
Flowers, oil, size 3,3 x 3,4 millimeters
Fiori, olio su plastica, dimensioni 6,8 x 8,7 millimetri - Flowers, oil, size 6,8 x 8,7 millimeters
Flowers, oil, size 6,8 x 8,7 millimeters
Natura morta con cipolle, olio su plastica, dimensioni 2,5 x 3 millimetri - Still-life, oil, size 2,5 x 3 millimeters
Still-life, oil, size 2,5 x 3 millimeters
Fiori, olio su plastica, dimensioni 6,7 x 7 millimetri - Flowers, oil, size 6,7 x 7 millimeters (repr. Van Gogh)
Flowers, oil, size 6,7 x 7 millimeters (repr. Van Gogh)
Paesaggio marino, olio su plastica, dimensioni 20 x 25 millimetri - Sea-landscape, oil, size 20 x 25 millimeters
Sea-landscape, oil, size 20 x 25 millimeters
Effetti cromatici alla Pilarella
Cromatic effects in my town oil on canvas,  20 x 30 cm.
One the smallest paintings in the world painted inside the cavity of a syringe needle
Stefano Busonero paints the smallest pictures in the world.

A short summary of the web-site:  In this website for painting, which is quite recent, it is my intention to let it grow every day and let it become my beloved Art-site, where I can  introduce all my emotions and where you can find all my principal works in  miniature, micro-paintings (which is not the correct name, they should be called microscopic paintings instead of micropaintings), all my nightmares  represented on a telephone card with two titles, ( the first one is general  for all” nightmare-paintings “, the second one can be noticed as directly  written on the painting which leads to the sensation I had during painting  them). The paintings are almost metaphysical. Many of these painted  nightmares represent every time different things and are in continuous  metamorphosis, as you will find out by yourself looking at them intensively. The eyes are the dominant part of these paintings and I call them confidentially ” My little ones” My friends, who are painters  themselves, very often do not understand these “strange” things and advise  me to switch over to paint figures, portraits, sea-landscapes or sea-views. The microscopic painting, which is executed inside the eye of a needle or the channel of an injection-needle, are considered by myself as really exclusive. The sea-views and landscapes represent always the Argentario and especially Porto St. Stefano. The micro paintings which have been showed several times on our national television-networks  gave me the possibility to be called the Micro-painter.


I miei quadri, le mie Marine: Stefano Busonero

flag uk  English web-site

Stefano Busonero  Le Marine dell’Argentario

L’Argentario è sempre stata ed è una zona che per il colore si distingue da tutte le altre della nostra penisola. Non a caso gli hanno dato il nome per il suo caratteristico colore delle foglie degli ulivi. Io aggiungo anche per il colore del mare, della terra, del cielo e ….. di ogni dove. Il colore dell’Argentario è diverso da tutti gli altri colori ed emana degli odori stupendi!
Marina con barche all'Argentario
1 Alcuni paesaggi marini
marina dell'Argentario
2 Altre pitture a tema marino
Marina Argentarina
3 Ancora temi e colori marini
Barche alla fonda
4 Coloristica variabile nel paesaggio
barche
5 Dipinti di paesaggi con mari e cieli variabili
barche
6 Paesaggi marini e vita di mare
barche
7 Colori e movimenti cromatici
barche
8 colori e contrasti
barche all'Argentario
9 la variazione cromatica
Paesaggio marino innevato
10 i miei cieli nel paesaggio marino
Baarca con parasole
11 rivoglio i miei quadri
Barche ormeggiate
12 calore e colore
Marina con barche
13 L’importanza della coloristica
Barca
14 Mare calmo e mare gonfio
Marina
15 Il filone dei paesaggi marini notturni


Cosa dicono di me i giornali

Busonero e la stampa

Chi ha parlato di me

Maurizio Costanzo

L'artista al Maurizio Costanzo Show del 2-1-95
Busonero al Maurizio Costanzo Show del 2-1-95

Nel suo show televisivo (02/01/1995) ed in numerose trasmissioni di Buona Domenica: “Credetemi, una cosa davvero pazzesca: non ho mai visto una cosa del genere. rendiamoci conto di questo: non è normale dipingere su quelle superfici, poi oltretutto … ha anche il gusto del dettaglio!”

Vittorio Sgarbi

Busonero da Sgarbi quotidiani del 18-11-96
Busonero da Sgarbi quotidiani del 18-11-96

Il critico d’arte VITTORIO SGARBI, durante la sua trasmissione televisiva ‘Sgarbi quotidiani’ parlando dell’artista: ‘Busonero, credetemi, è un campione! E’ a tal punto virtuoso che solo l’occhio miope dello Sgarbi poteva riconoscere in questa macchia rosa un dipinto di Renoir e, nella cruna di questo piccolissimo ago da sarta, dove non ‘passerebbe neppure un cammello’, una marina.

RAI UNO

Busonero a Uno Mattina
Busonero a Uno Mattina

In diverse edizioni della trasmissione di Uno Mattina Inverno ed Estate, ha presentato alcune delle sue opere. Visibile in streaming quella del 6 luglio 2016 de “Il caffè di RAI 1” (nel video scorrere il cursore all’ottavo minuto … 8,40 per la precisione)

RAI DUE

Busonero su Rai 2, In famiglia con Tiberio Timperi
Busonero su Rai 2, In famiglia con Tiberio Timperi

In due trasmissioni di Mattina in famiglia, ha mostrato, insieme alle numerose piccole miniature, anche il ritratto di Oliver Hardy dipinto dentro la condotta di un piccolissimo ago di siringa, su una superficie di 0,049 mmq.

RAI 3

Nel telegiornale del 02 agosto 2017 andò in onda un’intervista all’artista ove spiegava la sua arte pittorica.

screenshot di un fotogramma del tg3
Screenshot di un fotogramma del tg3

TG5 di Mediaset

Papa Francesco dipinto su un centesimo oresentato dal TG5
Papa Francesco dipinto su un centesimo presentato dal TG5

Nel telegiornale delle 13 del 25 luglio è andata in onda un’intervista con il pittore, di cui sono state presentate alcune sue opere.

TELEMONTECARLO (l’attuale LA7)

 

In una intervista del telegiornale ed in una trasmissione condotta da Marco Balestri.

LIBRO DEL GUINNESS DEI PRIMATI

Citato nel libro del Guinness dei primati a pag 186 dell'edizione italiana
Busonero Citato nel libro del Guinness dei primati a pag 186 dell’edizione italiana

Citato nell’edizione italiana 1996 a pag. 186: Stefano Busonero ha dipinto un ritratto della dimensione di 0,30 x 0,35 mm. raffigurante Padre Pio su taglio di una scheda telefonica.

L’UNITA’

(28/05/1996) Con un potente microscopio ed una mano fermissima, Busonero dipinge su ‘tele’ più piccole del decimo di millimetro quadrato. Ha una sola difficoltà: quella di firmare le sue opere.

IL MESSAGGERO L’artista santostefanese, detto dai suoi compaesani ‘FINDIFERRO’, dipinge sulle PUNTE di aghi quadri microscopici, visibili solo con lo stereoscopio.

LA SETTIMANA ENIGMISTICA

Ha inserito una opera dell’artista nella rubrica ‘STRANO MA VERO’.

LA NAZIONE, IL TIRRENO e giornali locali

Numerosissimi sono gli articoli e le citazioni sui giornali locali, soprattutto in occasione di manifestazioni dell’artista. 


Ecco chi sono

Eccomi

Questo era Stefano Busonero nel corso degli anni. Un bel filibustiere! osservatelo bene! Non ha mai dormito!

Stefano a due mesi
Stefano a due mesi dalla nascita
Stefano a due anni
Stefanino a due anni
Stefano con le sue sorelle
Stefano con le sue sorelle
Stefano a quattro anni
Stefano a quattro anni
Stefano a cinque anni
Stefano a 5 anni
Stefano a quattordici anni
Stefano a quattordici anni
Stefano a 16 anni
Stefano a 16 anni
Stefano a 25 anni
Stefano a 25 anni
Stefano a 28 anni
Stefano a 28 anni
Stefano a sessant'anni
Stefano a sessant’anni

Eccomi quando dipingo


Le opere del pittore Stefano Busonero

Le mie opere microscopiche

Le sue opere sono dipinte con tecnica ad olio e si dividono in tre categorie: miniature, piccole miniature e miniature microscopiche.

Le miniature hanno dimensioni che vanno dai 30 x 30 ai 50 x 100 mm.

Le piccole miniature hanno dimensioni che vanno dai 10 x 10 ai 30 x 30 mm.

Le miniature microscopiche hanno dimensioni che vanno dai 10 x 10 mm scendendo fino alla dimensione di 0,25 di diametro (una superficie di 0,049 mmq) che corrisponde al quadro più piccolo da lui realizzato.

La tecnica di esecuzione è molto particolare. I pigmenti sono ad olio, i pennelli sono singolarmente delle sottilissime setole ricavate, dopo attente selezioni, dai pennelli più grandi. Le “tele”, dove egli stende il colore, sono generalmente di plastica, cioè il materiale delle schede telefoniche. Molto spesso l’artista dipinge dentro le crune degli aghi da sarta e sulle punte degli aghi di siringa.

Le opere sono dettagliate fin nei minimi particolari, come nei quadri di grandi dimensioni.

Le miniature microscopiche hanno dimensioni tali da poter essere osservate esclusivamente con l’ausilio di mezzi di ingrandimento come lenti e contafili e molto spesso con l’aiuto dello stereoscopio.

I soggetti sono generalmente Marine, Ritratti e riproduzioni fedelissime delle opere dei grandi Maestri dell’Impressionismo.

L’ATTREZZATURA per questo strano “corso di pittura”.

Innanzitutto occorre la materia prima, cioè la pittura che deve essere di prima qualità e molto raffinata. Si trova facilmente nelle botteghe di belle arti.

I  micropennelli (micro pennelli) che non sono reperibili da nessuna parte  e  debbono essere fabbricati con tutto l’ingegno possibile. Occorrono molti aghi  di siringa per insulina che conviene sempre comperare integri onde evitare infezioni nella  eventualità di essere punti da essi. In essi si inserisce un pelo scelto di pennello o una minutissima piuma di un uccello acquatico. Per fare questo è necessario bagnare la punta dell’ago con la colla al cianuro (loctite).

Lo  stereoscopio,   che è un attrezzo indispensabile, e  che  non possiamo  assolutamente  farne a meno.

L’olio di lino che deve essere quello di prima scelta, così  pure l’essenza  di trementina.

I vari tipi di olietto, composti artigianalmente, che servono a rendere più generoso il trattamento della pittura.

Schede  telefoniche esaurite che servono come tavolozza,  e  come base  per  apporre  le nostre emozioni. Queste  saranno  le  nostre “tele”.

Il colore va ingentilito con l’olio, con la trementina  e con vari  tipi di  olietto  a seconda delle esigenze,  che  dipendono  da quelle del dipinto e da quelle dei pennelli, perché questi ultimi data  la  loro piccolissima dimensione sono di  una  delicatezza estrema.

REQUISITI PER DIPINGERE NEL MONDO DELLA MICROPITTURA (MICRO PITTURA)

Premetto che non ho la pretesa di dare corsi di disegno o lezioni di pittura. Sto soltanto illustrando curiosamente la mia tecnica.

Nel dipingere una tela di 5 x 7 mm. si provano le stesse emozioni che  accompagnano la realizzazione di un dipinto su una  tela  considerata   di normali  dimensioni.  Dico “considerata” perché secondo  me,  non esistono  per  l’uomo,  impedimenti tecnici-spaziali  fino  alle dimensioni  di  pochi decimi  di millimetro. I colori e  le  loro gamme  cromatiche si possono creare in modo assai evidente,  proprio  come quando si dipinge un quadro grande, con la  differenza che nella micro tela tutto diventa tecnicamente più difficile.

Analizziamo per ora tutti i requisiti che la tecnica di esecuzione richiede.

Quello  che  per prima cosa voglio marcare è che  la  vista  da “occhio di lince” non è un requisito necessario; se c’é  è meglio, come  in tutte le attività, ma se manca, niente male  perché il  lavoro  di messa a fuoco viene  eseguito  dall’indispensabile stereoscopio.  Stereoscopio, non microscopio. Lo  stereoscopio  a differenza del microscopio, dà immagini reali di profondità e non stanca  assolutamente gli occhi, neanche se ci si lavora  per  una intera giornata. Anzi mi azzarderei di dire che lo stereoscopio li fa  riposare, evitando   le continue messe a fuoco che debbono fare  nelle  normali mansioni di ogni giorno. Infatti con lo stereo, una volta messa a fuoco  la  tela, gli occhi non hanno più bisogno  di  correggere, come  fanno con la lettura di un libro che normalmente quando  viene letto,  viene avvicinato ed allontanato dal nostro viso invitando  gli occhi a reagire di circostanza.

Anche se si hanno dei problemi alla vista, si può lavorare benissimo con lo stereoscopio, perché questo è in grado di correggere diversi difetti di vista. Qualche problema può insorgere  quando i difetti di miopia e presbiopia sono talmente  accentuati  che  richiedono  una  registrazione  personalizzata  dello strumento  per evitare che l’immagine venga sdoppiata. Una  volta per tutte, dopo aver registrato la distanza dove avviene l’incontro delle due immagini percepite dagli occhi e spedite al cervello, il problema è risolto definitivamente.

Quello  che  si chiede nel cosmo della Micropittura,  è la  mano ferma. Tanto più è ferma la mano, tanto più belle e nette verranno  le gamme cromatiche,  gli stacchi ed i contrasti, i quali dipendono, non solo dagli accostamenti di colore  ma soprattutto dalla – non invasione degli stessi  negli stessi  –. In altre parole se la mano trema  mentre si esegue  la colorazione, gli stessi colori si mescolano sulla tela  togliendo contrasto,  brillantezza  e indebolendo la forza delle  gamme cromatiche.

Come nell’esecuzione di dipinti di normali dimensione,  così  anche in quelli piccoli da me  considerati  normali  a tutti  gli effetti, il colore deve essere prima  mescolato  nella tavolozza, quindi steso sulla tela.

Ritornando alla mano ferma, cosa tra l’altro indispensabile, questa dovrà coordinare i suoi movimenti in configurazione di quello che gli  occhi  percepiscono  attraverso lo  stereoscopio,  il  quale cambia  le  distanze reali amplificandole più o  meno  a  seconda della  regolazione che noi facciamo durante la lavorazione.  Dobbiamo,  in  altre parole muovere la mano, non  a  seconda   dello spazio da percorrere che noi percepiamo attraverso lo  stereoscopio, ma a seconda dello spazio realmente esistente, che è 5 –  10 –  15  – 20 – 30 – e qualche volta anche 50 volte  inferiore   al primo. Questa è la prima difficoltà da superare. Naturalmente  si inizierà  con  pochissimi ingrandimenti, per raggiungere  con  il tempo quelli superiori e sfondare quindi con facilità i tetti che i nostri automatismi ci impongono.

Se  non con il microscopio, a  tutti noi è capitato osservare  un paesaggio  attraverso un binocolo, e, naturalmente  saremo  stati tentati di voler raggiungere con le mani cose che sembravano alla nostra  portata,  con la delusione di non poterle toccare:  con  lo  stereoscopio si ha la stessa sensazione ma modo inverso. La  mano che vuole raggiungere un punto lo sorpassa di gran lunga.

Agli inizi, purtroppo durante la lavorazione dei  microquadri, qualcuno  di  essi andrà sicuramente perduto proprio a  causa  di questi  movimenti ingannanti che portano un dito sopra il  dipinto fresco cancellandolo letteralmente.

Altro  requisito  importante, è la calma. Non  si  può  dipingere senza essa. La pittura generalmente distende i nervi e  scarica le tensioni a chi la pratica, ma se non siete calmi non  iniziate un  microquadro perché le difficoltà si amplificano a 360 gradi.  Se  siete calmi state  pure  tranquilli, perché  anche dipingendo  l’infinitesimo, la calma non la perderete. La  micropittura  innervosisce chi non è calmo, ma distende  ulteriormente colui che parte con la calma.

Altro  requisito  è il “credere” nella Micropittura,  il  credere cioè  che un dipinto si può eseguire in tutti i suoi  particolari anche quando si lavora su tele piuttosto piccole. Credere, che  a quadro terminato, questo dia le stesse emozioni di un dipinto  grande, è cosa indispensabile.  Anzi sensazioni   più profonde, perché  avvenga  la  magia, quando  il puntino appena visibile come tale ad occhio  nudo  si trasforma in un qualcosa da ammirare ed analizzare e, in qualcosa di vivo capace di sprigionare in noi sentimenti  magnifici.

Se si inizia un microquadro con la convinzione che non serve a nulla, che non interesserà nessuno, che l’Arte si  considera a metraggio o a peso, che non tutti siano in grado di osservarlo e, tante altre cose di questo genere, si arriva ad un punto tale che si decide di smettere.

Allora abbiamo detto, la mano, la calma e la fede nella Micropittura. Non serve altro. Naturalmente non serve altro, rispetto  ai requisiti richiesti nella pittura di grande dimensione.

Il  gusto nel colore, il senso della profondità, il  senso  della prospettiva del colore e delle forme, sono cose fondamentali  che non devono mancare ad un artista.

La tecnica ed il disegno si possono imparare con le lezioni di pittura ed i corsi di disegno. Internet è invaso dai corsi di pittura, ma il colore dell’opera e l’eleganza del disegno, non può e non deve insegnarli nessuno!

Marine       Quadri Microscopici       Marina in cruna       Emozioni


La mia vita

Chi sono

Storie stravaganti di Stefano Busonero

Stefano Busonero è nato a Porto S. Stefano nel Monte Argentario (Italia) il 13 Gennaio 1947.

La sua sensibilità di artista è stata influenzata dallo scorrere lento della vita di un piccolo paese di mare, dove il turismo era fatto di poche persone, quando i mestieri della pesca e dell’agricoltura conservavano un sapore e una tradizione che venivano da lontano, e soprattutto quando la solidarietà e i rapporti umani avevano un significato genuino. Non è perciò azzardato dire che in quegli anni approda il substrato psicologico che anima le sue opere, ed è naturale che nelle sue tele, create durante le lunghe ore della navigazione, siano ritratti personaggi tipici di paese e struggenti marine maremmane.

L’artista ha frequentato con grande profitto l’Istituto Tecnico Nautico, dove si è diplomato nel 1968. Quasi subito si è imbarcato e  la sua attività lavorativa era quella di “Direttore di Macchina”.

Pur non avendo compiuto specifici studi d’arte, il pittore da anni si è immerso, quale autodidatta, nello studio degli antichi e moderni Maestri della pittura, esaminando a fondo le varie tecniche.

Dalle prime esperienze ritrattistiche e paesaggistiche, è passato a quelle delle carte geografiche – in senso paesaggistico – di alcune isole e promontori d’Italia, per poi approdare al piccolo formato dipinto su schede telefoniche esaurite ed infine alla pittura microscopica.

Stefano Busonero è felicemente sposato con Danila ed ha una figlia di nome Pamela.


Storia dell’Arte: i frammenti più importanti nell’arco dei secoli

Frammentiarte.it

Con un semplice click, sul link di cui sopra, entrate in un sito web che parla di storia dell’arte in piccoli frammenti: frammentiarte.it, che è stato concepito in maniera elementare, sfiorando in alcuni casi il banale, è sicuramente alla portata di tutti ed è gradevole navigarci. Nel sito sono raffigurate oltre settemila opere di Grandi Maestri.

Qui sotto un breve riassunto (quasi una mappa più che un semplice riassunto) del sito web frammentiarte. Il visitatore può evitare di leggerlo tutto ed entrare direttamente a contatto con l’Arte dei Grandi Maestri del passato, però ho voluto riassumerlo soprattutto per facilitagli la navigazione, indirizzandolo nelle sezioni di suo interesse.

Oltre a questo sito, sto gestendone uno di Arte con la “A” maiuscola. Si tratta di frammenti di storia dell’Arte. Questo, non vuole essere un sito dal quale si possano fare delle approfondite ricerche ma un semplice aiuto a chi di Arte se ne intende poco. Il sito è praticamente un riassunto frammentato della storia dell’arte e, lo scopo finale che mi sono proposto è quello di far avvicinare all’Arte persone che desiderino entrarci ma che sentono i violenti impatti quando provano soltanto ad affacciarvisi: molto spesso persone, che desiderano parlare di Arte con altre persone, si sentono minacciate di stupidità perché non conoscono questo o quel pittore, questo o quel movimento artistico, il significato delle gamme cromatiche, degli accostamenti di colore, della musicalità ecc. ecc. Cosa fare a questo punto per risolvere il problema? Entrare in rete ed assorbirsi i grandi autorevoli e bei discorsi fatti di parolone incomprensibili all’ottanta per cento della gente. Allora ho pensato! “Perché non fare un sito web che tratti di Arte in modo elementare?” “Chi se ne frega se viene criticato male dagli intenditori!” “Quale è lo scopo!?: farmi bello, oppure mettere a disposizione della gente normale una struttura comprensibile ed anche gradevole alla navigazione?” Ecco che è nato il sito d’Arte di frammentiarte.it che tratta principalmente di Pittura. Pittura in tutti i sensi: Pittori con la P maiuscola e Maestri con la M maiuscola.

Ecco il riassunto delle sezioni più importanti del sito Frammentiarte.it

A – Frammenti vari di storia dell’arte divisi in tre grandi periodi:

1 – Dal periodo della preistoria al Gotico: Un periodo durato millenni che parla della storia dell’arte nel mondo della Pittura.

Arte della preistoria: L’istinto dell’uomo lo ha sempre portato alla ricerca dell’eleganza e del bello. Quello noi oggi abbiamo, è lo stesso impulso naturale che avevamo ai tempi delle origini dell’umanità, e non è per niente mutato. Una ed una sola differenza; prima ne facevamo uso molto spesso, oggi …… lo usiamo di rado  e soprattutto senza neanche rendercene conto.

Arte rupestre: La ricchezza della forma, delle tematiche e degli stili artistici esistono sicuramente nell’arte rupestre. Possiamo perciò dire con sicurezza che l’uomo ha sempre avuto nella parte più profonda della sua mente tutte quelle forme di creatività che abbiamo ai nostri giorni.

 Arte vascolare: Il vaso da sempre affascina il genere umano, l’ha sempre attratto al suo abbellimento, ancor più l’ha spinto a cercare miriadi di forme rappresentative ….. ed ancora ai nostri giorni continua a contribuire al miglioramento della sua capacità creativa.

Arte mobiliare: Nell’arte l’uomo della preistoria faceva predominare nelle sue opere falli e vulve. Questi erano simbolo di fertilità. Anche i vari gruppi di animali, che raffiguravano sui più svariati supporti e nelle più disparate forme di stile, si riferivano all’uno o all’altro sesso. Cavallo ed elefante rappresentavano la virilità  del maschio, mentre i mammut e le giraffe rappresentavano la femmina.

Arte degli antichi regni: Occorre, stando alle credenze dell’Antico Regno, guadagnarsi il la stima ed il favore degli dei per rendere nulli gli effetti negativi creando opere di valore che solo l’arte può realizzare.

Arte dell’antico Egitto: Dalle mastabe ci arrivano oggi i capolavori artistici più importanti e significativi di tutto il periodo dell’Antico Regno. La tecnica artistica in questo periodo è subordinata principalmente alla qualità dei supporti ed ai vari tipi di pietra di cui gli artisti dispongono per realizzare le opere di pittura, di bassorilievo e scultoree.

Il periodo Aureo tebano: è questo il periodo più fecondo per l’Arte e per tutto ciò che è bello ed elegante..

La cultura di Akkad: Il distacco dall’astrazione formale che spiccava in modo assai evidente nelle precedenti tradizioni ed il nuovo concetto di regalità, si riconoscono facilmente nella testa in bronzo dorato da Ninive, effigiata a solenne maestà, che ci tramanda  le caratteristiche somatiche dello stesso Sargon ……

Assiri e babilonesi: Intorno al quindicesimo secolo A.C., la geografia politica dell’Oriente più prossimo a noi, viene continuamente sconvolta: il potere di Babilonia si piega alle aggressioni di popoli che provengono dalle montagne iraniche  e dall’Anatolia.

Arte siriana e palestinese: Nodo primario e di forte interesse con collegamenti che mettono in comunicazione più continenti, la parte litoranea del bacino mediterraneo, la Mesopotamia, l’Anatolia e l’Egitto, trova nella situazione geografica il motivo al transitorio frazionamento politico. Alle culture dei popoli semitici, che continuamente si avvicendano nell’area, si uniscono quelle dei nuovi ed importanti imperi che ormai esercitano il loro dominio nell’intera superficie.

Arte iranica: Nell’altopiano dell’Iran, a sud ovest, ha origine a partire dal quattromila avanti Cristo, la cultura elamita con il suo massimo sviluppo a Susa. Nel mondo della ceramica, alle figure geometriche (triangoli, quadrati, rombi, croci, cerchi concentrici, ellissi, svastiche) si pongono elementi vegetali che adornano l’intera area esterna del vasellame, lavorato manualmente e talvolta con l’aiuto di macchinari come il  tornio.

Arte anatolica: L’arte anatolica è stata spesso immeritatamente definita come marginale e di scarso interesse artistico in relazione alla cultura delle civiltà mesopotamiche. Le opere create dagli artisti anatolici ostentano invece peculiarità uniche che hanno origine dall’epoca preittita.

Arte dell’Antico oriente: Dal quattromila al tremila avanti Cristo sorgono nella buia notte della preistoria le sconfinate regioni dei grandi fiumi che attraversano sia l’India che la Cina. Queste popolazioni esprimono peculiarità molto singolari, un marcatissimo vigore artistico, una vita dedicata alla creatività artistica in una continua evoluzione nei millenni. La creazione artistica di queste civiltà ha grande importanza ed è del tutto diversa, sia nella forma che nell’espressione, da quella dei popoli occidentali.

Arte dell’antico Egeo: L’Egeo è ed era un arcipelago formato da numerosissime isole, posizionate dalla Natura in maniera strategica e tale da rendere semplici gli scambi commerciali. Questo arcipelago è stato da sempre considerato l’intelaiatura delle civiltà preelleniche. Un vigoroso sviluppo artistico – culturale nasce nel campo della ceramica verso la metà del 3° millennio nelle isole delle Cicladi. Tavole, bracieri, vasi, statuette, animali, teste umane, tutte creazioni in ceramica decorata quasi sempre con cerchi a spirale e simboli marinari dove, inevitabilmente, veniva realizzata la nave come simbolo principale della sua significativa funzione negli scambi commerciali.

Civiltà elleniche ed italiche:  L’arte greca è la base principale e l’ideale fondamento della cultura artistica di tutto il mondo occidentale. L’arte greca ci ha consegnato la bellezza e l’eleganza. Nella infinita creazione proveniente dalle zone elleniche e dalle regioni, che gli inevitabili insediamenti hanno ulteriormente aumentato di numero lungo tutta la costa del mediterraneo mediorientale, arrivando fino alla Sicilia, il cammino è stato fatto per grandi i maestri e per le opere artistiche cariche di originalità.

continua passo passo fino al periodo Romanico

Frammentiarte.it

2 – Dal periodo Gotico al periodo realista:

Il Gotico: A cavallo della prima e seconda metà del tredicesimo secolo incomincia a spandersi in tutta l’Europa una nuova sensibilità per l’arte, un grandissimo bisogno di ricercare di nuove forme estetiche e ed altrettanti nuovi principi di linguaggi artistici nella costruzione di cattedrali e di edifici.

Il Trecento nell’arte ed i percorsi eccentrici: Nei primissimi anni di questo secolo, oltre alla stimatissima scuola di Giotto ce ne sono molte altre, con altrettanta vitalità e forza creativa. Tutte queste scuole sono influenzate dall’inedito realismo pittorico di Giotto che rifiuta decisamente i dettami dei modelli classici greci rivoluzionando il il campo della Pittura ……

Il Rinascimento: Con la configurazione della struttura artistica umanistica nell’Italia del 1300, così come si presenta, si sente la necessità di realizzare un completo cambiamento e di un ritorno agli schemi classici romani, rompendo nettamente con la tradizione del medioevo. Nelle città nordiche, soprattutto in quelle fiamminghe è in atto una trasformazione che porta diretta al naturalismo. La combinazione tra le due tendenze di matrici rinascimentali da origine all’Arte Moderna Europea.

L’Arte umanistica del 1400: L’Umanesimo già dalla sua origine conosce un ampio e continentale orizzonte. Gli stessi Concili Ecumenici istituiti dalla Chiesa nei primi decenni del secolo sono non soltanto occasione di incontro per scopi religiosi ma anche  di scambio culturale tra grandi esponenti canonici, alte personalità artistiche e dignitari delle varie corti che influiscono all’incremento della circolazione europea di codici classicheggianti e novità del mondo artistico.

continua passo passo fino al realismo passando attraverso il Manierismo, il Rinascimento, il Seicento italiano, francese, fiammingo, spagnolo, scandinavo, inglese, asbutgico ed olandese, gli stili Barocco e Rococò, il Vedutismo, il Neoclassico, il periodo del Romanticismo.

3 – Dal periodo degli Impressionisti ai nostri giorni:

L’Impressionismo e gli Impressionisti: L’impressionismo ha origine dalla dalla sperimentazione di uno stile, una tecnica, un modo di sentire tutto nuovo voluti da un piccolissimo gruppo di artisti e non nasce da dottrine, programmazioni, manifesti di poetica; è viceversa quello di una netta convergenza di intenzioni che appare improvvisamente in un ben preciso periodo storico e in una cultura come quella francese, fatta in modo tale da accettare la diffusione di un semplice linguaggio artistico, accessibile a ai più e soprattutto fondato su comuni basi iniziali, dentro il mondo dell’arte pittorica..

sempre nel sito di Frammentiarte.it:

BLa biografia, la vita artistica dei Grandi maestri del passato e le autorevoli critiche :

Rammentando soltanto i principali pittori vi si può trovare la biografia e le opere di:

Umberto Boccioni: Il maggior interprete della pittura futurista italiana (Reggio Calabria 1882)

Andrea Canal detto il Canaletto: Un grande interprete della Pittura vedutista e figlio d’arte.

Michelangelo Merisi detto il Caravaggio: Grande pittore a cavallo di due secoli importanti per la Pittura (Milano 1571 – Argentario 1610)

Annibale Carracci: Contemporaneo del Caravaggio ha realizzato la decorazione di palazzo Farnese.

Paul Cezanne: Grande pittore molto vicino agli Impressionisti nato ad Aix-en-Provence nel  1839 e muore ivi nel 1906.  Suo padre è un uomo ricchissimo proprietario di una grande fabbrica di cappelli.

Correggio: Nato a Correggio (R. Emilia 1494), morto nel 1534. Egli è uno dei più grandi pittori italiani del 1500 degno di essere avvicinato a Tiziano, Raffaello e Leonardo.

Edgar Degas: Un grande pittore impressionista a cui però non piaceva dipingere all’aria aperta.

Delacroix: Nasce nel 1798 vicino Parigi 1863. Assimila esperienza studiando nella bottega artistica del Guérin, dove conosce Géricault. Frequenta molti salotti della Parigi colta dove fa conoscenza con V. Hugo, StendhaI, S. Beuve, Merimée, de Musset, con il padre di Dumas, Gautier e anche con il grande celebre  Chopin.

Giovanni  Fattori: Fattori  nel 1875 va a Parigi, e laggiù può guardare meravigliato i capolavori degli artisti impressionisti e, soprattutto quelli di Manet, che però non lo influenzeranno mai nello sviluppo della sua formazione artistica, ormai già affermata.

Fragonard: A. Jean-Honoré Fragonard nacque a Grasse nel 1732 e morì nella capitale francese nel 1806. Egli acquisì la sensibilità dello stile figurativo rocaille da due altrettanto grandi artisti , Boucher e Chardin ma lo sviluppò rendendo più semplici le forme e anche il tocco, che molto spesso portava a tranelli per troppo virtuosismo.

Paul Gauguin:   Gli accostamenti coloristici sono infiniti: la miscelazione dei pigmenti dà come risultato un tono abbastanza sporco; un colore quando è puro è anche crudo e non si può trovare in natura. Questo colore esiste solo nell’iride, ma la natura ha saputo darcelo l’uno accanto all’altro, in un ordine molto preciso e impossibile a modificare, proprio come se ogni gamma cromatica avesse origine …..

Goya: In questo grande artista si coordinano tutti e due gli aspetti più importanti del Romanticismo: la visione e l’approfondimento oltre il confine della conoscenza e della vita stessa, e l’integrazione al periodo storico.

Leonardo da Vinci: La famosissima Gioconda (Monna Lisa del Giocondo) dal suo misteriosissimo sorriso e la Sant’Anna manifestano pienamente la compenetrazione psicologica tipica di Leonardo. Sempre intorno alle opere del Louvre prendiamo meritano grande considerazione il Bacco e San Giovanni Battista, realizzati nell’ultimo periodo della sua vita. Un’opera meravigliosa che andò in malora, causa un impasto sperimentale dei pigmenti, è la Battaglia d’Anghiari, che Leonardo realizzò nel periodo in cui soggiornò a Firenze.

Edouard Manet: Grande artista Impressionista La sua tecnica alquanto sovversiva che non viene accettata dai “più” e dai critici tradizionalisti, viene invece vista di buon grado dagli artisti più giovani. Si unirà al famoso quartetto fondatore del movimento impressionistico: Monet, Renoir, Sisley e Pissarro.

Mantegna: Dei suoi numerosissimi capolavori ricordiamo: il celebre Trittico di S. Zeno custodito a Verona, realizzato in due anni (1457 – 1459) e l’altro trittico nella Galleria degli Uffizi che riproduce l’ Adorazione dei Magi, la Circoncisione e l’ Ascensione. In queste grandissime e significative opere risulta evidentemente palese la base di un disegno abbastanza torto, la prospettiva scientifica (anche nell’archeologia), nonché il sapere architettonico.

Masaccio: Nel 1426, gli viene dato da Giuliano di Colino il compito di eseguire a Pisa un polittico nella cappella di S. Maria del Carmine. Tommaso Giovanni di Mone Cassai detto il Masaccio viene saldato con un compenso di appena ottanta fiorini, per di più distribuiti in dieci piccolissime rate.

Michelangelo Buonarroti: Tutta la produzione pittorica di Michelangelo Buonarroti mette insieme un ampio campo di indagine e di ricerca. Essa nasce già nei primissimi anni del secolo con la realizzazione della “Deposizione”, “la Madonna di Manchester”, “la Sacra Famiglia dei Doni” alla Galleria degli Uffizi a Firenze e si approfondisce notevolmente fino a raggiungere i più alti livelli della creatività con i meravigliosi affreschi realizzati nella Cappella Sistina e del Giudizio Universale.

Claude Monet: Monet, che gia da bambino sorprende la gente che vive a Le-Havre con le sue caratteristiche caricature, migliora le sue peculiarità pittoriche divenendo un serio artista paesaggistico. Egli, spesso si fa accompagnare dal suo maestro per esplorare gli interni della città e le coste al Nord. Monet è il grande Impressionista degli Impressionisti.

Pittori veneti dell’Ottocento e Novecento: F. Bagnara,  B. Bezzi, G. Bernardino Bison, G.ppe Borsato,  I. Brass, D. Bresolin, I. Caffi, G. Casa, V. Chilone, G.lmo Ciardi, A. Dall’Oca Bianca, M. De Maria (ovvero Marius Pictor), G.como Favretto, P. Fragiacomo, M. Grigoletti, F. Hayez, Cesare Laurenti, L. Lipparini, T. Matteini, G. Migliara, A. Milesi, M. Pompeo Molmenti, Napoleone Nani, L. Nono, O. Politi, F. Schiavoni, L. Selvatico, G. Tominz, E. Tito.

Pittori Lombardi dell’ottocento e Novecento: Barbaglia Giuseppe, Bazzaro  Leonardo, Bertini  Giuseppe, Bianchi  Mosè, Bouvier  Pietro, Canella  Giuseppe, Carcano  Filippo, Carnevali  Giovanni detto il Piccio, Conconi  Luigi, Cornienti  Cherubino, Cremona  Tranquillo, De Albertis  Sebastiano, Dell’Orto  Uberto, Francesco Didioni, Federico Faruffini, F. Francesco, E. Gignous, E. Gola, F. Hayez, I Fratelli Gerolamo e Domenico Induno, A. Inganni, C. Mancini, G. Migliara, P. Palagi, D. Panzoni, L. Scrosati, C. tallone, G. Trecourt.

Camille Pissarro: Camille Pissarro, nato nel 1830 e morto nel 1903), è, insieme a Monet e Renoir,  uno dei principali fondatori dell’Impressionismo francese. la sua vita artistica, dall’origine del gruppo è tale e quale a quella dei suoi compagni, fatta tutta in salita, certe volte , mosso da ripensamenti ed imprevisti cambi di rotta. Tutte le sue opere testimoniano, con un linguaggio altamente espressivo, l’amore per il mondo naturale e per la vita.

Raffaello Sanzio: La vita artistica di Raffaello si può riassumere in tre periodi ben distinti: Il periodo perugino, fiorentino e romano. Raffaello è  l’artista che raggiunge la vetta più alta dell’eleganza e della  bellezza nel campo pittorico. Nasce ad Urbino nel marzo del 1483. Raffaello non ha i forti turbamenti e il vistoso nervosismo di Leonardo da Vinci e neanche le agitazioni di Michelangelo, ma moltissima pacatezza ed una pura e celestiale ispirazione, elementi essenziali che lo guidano nella creazione di opere eterne.

Guido Reni Guido: Guido Reni, nato a Bologna nel 1575 e morto nel 1642), è, come Annibale Carracci di formazione manierista. Esso considerato un emulatore di Raffaello e perfetto Maestro. Pittore con carattere molto riflessivo e capace di rimodernare a propria misura e con equilibrio insegnamenti contrastanti gli uni agli altri; Guido Reni dà una versione di classicismo caravaggesco con la celebre opera della Crocifissione di Pietro (1604-05, custodita nei Musei Vaticani).

Auguste Renoir: Affiancato da Monet, suo collega di avventura,  Auguste condivide con lui tutte le conseguenze positive e negative del movimento impressionista, che arrivano all’apice di grandi entusiasmi ma anche di brutte umiliazioni da parte del pubblico e della critica ufficiale. Nonostante il suo carattere, non troppo vicino a quello di Claude Monet, egli lavora spesso con lui nei numerosissimi, prolungati ed entusiasmanti appuntamenti con la pittura all’aria aperta.

Rembrandt: È motivo di grande meraviglia che il celebre Rembrand, pur discendendo da una famiglia di semplice gente di campagna, sia stato incitato dalla natura a prendere la direzione della nobile carnei dell’Arte e raggiungere le vette più alte, attraverso la sua grandissima operosità, e non solo, grazie alla predisposizione ed alle sue tendenze innate …. . poi ci sono Giovanni Segantini, Georges Seurat, Alfred Sisley, Tiepolo, Jacopo Robusti detto il Tintoretto, Toulouse-Lautrec, Vincent Van Gogh, Velàzquez.

Inoltre sempre nel sito di Frammentiarte.it potrete trovare:

C – Le opere dei Grandi Maestri del passato: Quelle di cui sopra elencati.

D – I principali movimenti artistici:

E – Musei delle principali città italiane:

F – Chiese monumentali nel modo

G – I colori della tavolozza:

Descrizione delle basi dei vari pigmenti azzurri: lo zincato di cobalto; lo stannato di cobalto, l’ossido di cobalto; l’azzurro di lapislazzulli;  il cianuro di ferro; l’allumina carbonato di soda più zolfo; il colorante vegetale.

Descrizione delle basi dei vari pigmenti bianco: l’ossido di zinco; il carbonato di piombo; l’ossido di titanio; lo zinco più idrato di bario; il carbonato di piombo; il bianco di zinco combinato con bianco d’argento.

Descrizione delle basi dei vari pigmenti bruno: il colore bruno derivato dal succo di un legno indiano; l’ossido di ferro precipitato; l’estratto di radice di robbia; l’ossido di ferro calcinato; il solfato di ferro calcinato; la terra naturale; la terra naturale bruciata; la terra di Siena naturale  e quella dopo bruciatura; lafuliggine calcinata.

Descrizione delle basi dei vari pigmenti giallo: l’ossido di ferro; il solfuro di cadmio; il cromato di piombo; cromato di zinco; antimonio di piombo; l’ossido di ferro dopo precipitazioni; il doppio nitrato di cobalto e di potassa; il cromato di barite, il cromato di stronzio; l’ossido di piombo; l’euxantato di magnesia; l’ossido di piombo; i derivati del catrame ; la gomma gutta resina proveniente dalla Cambogia;

Descrizione delle basi dei vari pigmenti nero: l’avorio calcinato; i sementi di vite calcinati; i noccioli di pesca calcinati; il legno di rovere bruciato; il nero fumo di lampada, l’indaco, la lacca carminata  ed infine il nero di lampada,

Descrizione delle basi dei vari pigmenti rosso: il solfuro di mercurio; la selenite di cadmio con solfuro di cadmio; la lacca preparata dalla cocciniglia; le terre rosse, il fortissimo rosso inglese, quello indiano, la terra rossa Venezia, la terra rossa Pozzuoli), le terre naturali derivate da ossidi di ferro dopo trattamento di bruciatura, stessa cosa per le ocre gialle; l’estratto di radice di robbia dopo fissazione su allumina;

Descrizione delle basi dei vari pigmenti verde: l’arseniato di rame; l’ossido di cromo dopo idratazione; l’ossido di cromo anidro; l’ossido di zinco più il cobalto; il verde ossido di cromo con giallo di cadmio; il verde permanente; la terra verde di Verona, il sugo vegetale e la lacca verde; gli estratti di quercitrone.

Descrizione delle basi dei vari pigmenti violetto: il fosfato di cobalto; il fosfato di manganese; l’ossido di ferro, i derivati del catrame.

Oli, trementine ed altri reagenti